Qu’est-ce que le Manga ?

L’un des principaux problèmes auxquels est confrontée l’éducation artistique est la perte d’intérêt des enfants pour l’art à mesure qu’ils grandissent. Cette perte d’intérêt peut être due aux luttes internes de l’adolescence ou à des stress externes, souvent dans la classe d’art elle-même. Les théories du développement artistique expliquent cette perte d’intérêt pour l’art en tant que tendance universelle et interculturelle. Cependant, des recherches récentes (Toku 1998, 2000, Wilson, 1997, 1999, 1999, 2000) ont suggéré que les enfants japonais pourraient être une exception à cette tendance. Les enfants japonais ont tendance à continuer d’acquérir des compétences pour exprimer des récits visuels à travers cette période difficile sous la forme de bandes dessinées, ou mangas. Cela soulève une question importante pour les éducateurs en art : comment cet intérêt pour les bandes dessinées peut-il être utilisé comme outil pédagogique au Japon ou même étendu à des pays comme les États-Unis ?

Perturbations internes et externes dans le développement artistique des enfants

Les Piagétiens, dont Lowenfeld et Brittain (1970), décrivent le développement artistique des enfants comme une progression linéaire hiérarchique appelée théorie des stades du développement cognitif. Cependant, certains soutiennent que le développement artistique des enfants ne montre pas toujours une progression linéaire et que les capacités artistiques s’arrêtent souvent pendant la période de transition entre l’art de l’enfant et celui de l’adolescent. Par exemple, Read (1958) explique que la capacité artistique de la plupart des enfants diminue vers l’âge de 11 à 14 ans en raison de la perte d’intérêt et de motivation pour la création artistique. Il l’appelait « la période d’oppression ». Gardner (1980, 1990) et Davis (1997) expliquent également la tendance au déclin au cours de l’enfance intermédiaire selon le modèle d’une courbe en U du développement cognitif. Pourquoi les enfants se désintéressent-ils de l’art à un certain âge ?

Il n’y a pas de réponse simple, mais des facteurs internes et externes complexes. Les perturbations internes sont liées à des problèmes de conscience de soi ; les enfants commencent à réaliser leurs propres limites dans la production d’un art réaliste. Ils commencent aussi à rivaliser avec leurs pairs et à juger de la valeur relative de leurs œuvres d’art. Les perturbations externes sont liées à l’environnement social. L’art est souvent sous-estimé en tant que matière académique. Les enfants peuvent être sensibles aux critiques des professeurs d’art. Les programmes d’études en art sont souvent élaborés sans tenir compte des intérêts des élèves.

Mais tous les enfants ont-ils vraiment tendance à se désintéresser de l’art à cause de ces perturbations internes et externes ? N’y a-t-il aucun espoir pour les enseignants de soutenir le développement artistique pendant cette période difficile ? L’analyse interculturelle du développement artistique des enfants aux États-Unis et au Japon peut suggérer un tel espoir.

L’influence du manga sur le développement artistique des enfants au Japon

Brent Wilson et moi-même avons découvert un mouvement impressionnant de jeunes artistes japonais amateurs de bandes dessinées, ou mangas (prononcez’mahngah’), dont le nombre même suggère que les enfants japonais pourraient être moins vulnérables à la « période d’oppression ». Beaucoup de ces artistes participent au phénomène des marchés japonais de la bande dessinée, qui ont été développés pour donner aux jeunes l’occasion d’échanger leurs idées en créant et en vendant leurs propres magazines de manga originaux. En reflétant le désir des jeunes Japonais de représenter leurs propres histoires dans des mangas et de communiquer avec leurs pairs à travers ces mangas originaux, le marché de la bande dessinée s’est rapidement développé depuis 1975 pour devenir un énorme marché. Pendant trois jours de l’été 2000 à Tokyo, plus de 300.000 jeunes de tout le Japon ont participé au marché, avec plus de 20.000 stands vendant des magazines manga originaux. Le grand nombre de jeunes qui participent à ces projets d’édition amateur est un exemple de leur intérêt soutenu pour la narration graphique. Il semble qu’en fréquentant l’école et après l’obtention de leur diplôme, les enfants japonais continuent d’acquérir des compétences pour exprimer des récits visuels à travers ce modèle de culture populaire, plutôt qu’à travers l’éducation artistique dans les écoles. Au lieu de cesser de s’exprimer par l’art, ils développent leur capacité à résoudre des problèmes et apprennent des techniques visuelles pour reproduire leurs pensées dans les récits visuels de manga (Wilson, 2000). De l’école primaire à l’école secondaire, il est facile de trouver les influences des mangas, qui apparaissent fortement dans leurs récits graphiques (Toku, 1998, Wilson, 1988).

De nombreuses questions se posent concernant le phénomène particulier des mangas. Pourquoi les enfants japonais sont-ils attirés par le manga ? Quelles sont les caractéristiques du manga ? Sont-ils différents des comics américains ? Quels sont les avantages et les inconvénients de l’influence du manga ? S’il y a des avantages à l’influence du manga, est-il possible de les adapter dans les programmes d’enseignement artistique ? Dans les pages suivantes, j’aimerais discuter de quelques réponses à ces questions et de la possibilité de créer un programme d’enseignement artistique attrayant pour encourager la motivation des enfants pour l’art. En comprenant le mécanisme d’influence de cet élément de la culture pop dans le développement artistique des enfants japonais, il est possible de prévoir les tendances du développement artistique des enfants américains dans un avenir proche. De nos jours, il est impossible d’ignorer l’influence de la culture pop dans le développement artistique des enfants, quelle que soit leur culture ; les attractions visuelles des médias de masse, y compris la télévision, les films et les jeux vidéo, sont omniprésentes. Cet énorme afflux d’informations visuelles pourrait être une excellente ressource pour créer des programmes d’enseignement artistique aux États-Unis et pourrait être plus attrayant pour les étudiants et peut-être plus efficace.

Les caractéristiques du manga comme le style original des bandes dessinées japonaises

L’origine du manga – qui signifie littéralement « image humoristique » – a commencé comme une simple caricature, tout comme dans d’autres pays comme les États-Unis. L’origine du manga remonte probablement au 12ème siècle « Chojugiga (les manuscrits animaux) » – littéralement, « images humoristiques d’oiseaux et d’animaux » qui a été dépeint par un artiste-prêtre Kakuyu, ou Toba (1053-1140) (Akiyama, 1990, Schodt, 1983). Le manga s’est développé comme une narration graphique à travers l’œuvre de Hokusai Katsushika (1760-1849), qui a représenté l’Ukiyoe ou « Monde flottant ». Avec l’expansion de l’âge des lecteurs de mangas de l’enfance à l’adolescence et à l’âge adulte, le manga s’est progressivement transformé en un style original de bandes dessinées japonaises reflétant la nécessité de représenter la complexité des drames humains dans une narration graphique. La tendance a été particulièrement remarquable après la Seconde Guerre mondiale avec l’influence des bandes dessinées américaines et de l’animation Disney et a atteint le sommet du développement du style original du manga japonais des années 1980 aux années 1990. (Yonezawa, 1997).

Dans les bandes dessinées d’autres pays (comme les bandes dessinées américaines), il y a une composition d’histoire visuelle dans la surface bidimensionnelle. Le manga a aussi ce qu’on appelle les éléments du manga ou la grammaire du manga : 1) image (représentant des objets et des figures), 2) mot (y compris onomatopée), 3) ballon (indiquant des mots), et 4) cadre (entourant des images) (Natsume, 1997). La fonction de chaque élément du manga est un peu différente de celle de la bande dessinée américaine puisque le manga est passé d’une simple caricature ou d’une histoire du bien contre le mal à une histoire compliquée qui contient divers thèmes incluant la politique, les questions religieuses, historiques, sociales, culturelles et autres.

Dans le manga, chaque élément a une fonction importante pour expliquer les méta-niveaux d’espace et d’esprit en réponse à l’histoire compliquée. L’image est le contenu de l’expression du manga, qui est essentiellement constitué de lignes. Il est généralement divisé en formes positives (figures) et négatives (arrière-plan). Le mot incluant l’onomatopée dans le manga est généralement divisé en voix extérieure (son), qui vient directement des sujets, et voix intérieure, qui apparaît seulement dans l’esprit. Word apparaît également indépendamment à l’extérieur du cadre avec ou sans ballons comme un connecteur directionnel entre les cadres. Le ballon (‘fukidashi’) était le contenant de la voix intérieure de l’esprit ou une voix extérieure du sujet/objet différenciée de la narration. Cependant, il a été développé pour supporter l’expression du manga au niveau méta, ce qui signifie que la voix/pensée intérieure et extérieure du sujet/objet peut être affichée simultanément dans le même cadre, différenciée par la forme des ballons. Le cadre (‘koma’) a un rôle de conteneur, qui inclut l’image comme contenu, et le mot, qui est notamment’format’. Il a également une fonction d’intégration du temps et de l’espace. Le cadre était autrefois de simples formes carrées ou rectangulaires affichées en alignement sur une page : cependant, il s’est développé en diverses formes alignées dynamiquement pour exprimer différentes situations psychologiques (Natsume, 1995, 1997, Yomota, 1994).

Ainsi, les rôles de l’image, du mot et du cadre ont et ont créé les caractéristiques uniques du manga japonais. En termes simples, la complexité et le drame de l’histoire sont la raison pour laquelle les jeunes sont fortement attirés par les mangas. Grâce à la lecture du manga et aux discussions avec leurs pairs, l’alphabétisation des jeunes augmente (Nakazawa et Nakazawa, 1993).

Le développement d’histoires plus complexes dans les mangas est lié à l’élargissement de la tranche d’âge des lecteurs. Quel que soit le pays, les bandes dessinées sont généralement considérées comme étant destinées aux enfants qui finissent par dépasser leurs habitudes enfantines, généralement après l’école secondaire. Habituellement, les enfants cessent d’acheter et de lire lorsqu’ils terminent leurs études primaires. Cependant, les enfants japonais n’ont pas arrêté même après l’école secondaire parce que le manga était plus attrayant que les autres médias, comme la télévision et le cinéma. Une nouvelle génération de mangas, qui n’a pas cessé de lire des mangas lorsqu’ils sont devenus adultes, est apparue dans les années 1960. La nouvelle génération exposée au manga a commencé à avoir de grandes attentes à l’égard de l’histoire en vieillissant. Avec les attentes du lecteur, l’histoire du manga s’est développée pour exprimer plus un drame humain qu’une caricature ou une simple bande dessinée. En conséquence, les mangas ont commencé à produire de nombreux types d’histoires, fiction et non-fiction : science-fiction, sports, histoires d’amour, histoire, etc. pour plaire aux lecteurs (Yonezawa, 1997). Le marché du manga a commencé à publier des mangas mensuels au milieu des années 1950 et des mangas hebdomadaires à la fin des années 1950. Avec le développement de l’économie japonaise dans les années 1970 et 1980, le marché du manga s’est rapidement développé et le manga lui-même est devenu une culture populaire au Japon. En 1994, la diffusion d’un de ses mangas d’environ 500 pages, The Shonen Jump, a finalement atteint six millions (Nakano, 1997).

Pour les enfants japonais, le manga était un moyen visuel attrayant de réaliser leurs rêves et d’être n’importe qui dans la réalité virtuelle (Wilson, 1988, 1997). Pour les adultes, les mangas étaient des manuels visuels qui satisfaisaient leur curiosité du monde (Toku, 1998, 2000).

Comment l’intérêt de ces enfants pour les bandes dessinées et l’avantage de l’alphabétisation visuelle par le manga peuvent-ils être utilisés comme outil pédagogique au Japon ou même étendus à des pays comme les États-Unis ? En réponse à ce phénomène pop-culturel, le ministère de l’Éducation du Japon a décidé d’adapter le bénéfice de la pop-culture aux programmes nationaux d’éducation artistique des 8e et 9e années de l’enseignement obligatoire en 1998.

Dans un programme d’études du programme national d’éducation artistique pour les classes du secondaire qui sera mis en œuvre en avril 2002, le ministère de l’Éducation propose « d’adapter la culture pop (manga, illustration, photo, vidéo, ordinateur) pour exprimer les pensées/idées des élèves sur ce qu’ils pensent et ce qu’ils veulent être » (printemps 1998). Au Japon, le ministère de l’Éducation a changé six fois (1947, 1951, 1958, 1968, 1977 et 1989) en théorie et en pratique dans le domaine de l’éducation artistique depuis la Deuxième Guerre mondiale. Après plus de 50 ans d’histoire de l’éducation, cette septième réforme (2002) est la première réforme de l’éducation artistique qui prend en compte les préférences des enfants en la matière dans le programme scolaire.

En réponse à cette proposition de programme d’études en éducation artistique, les éducateurs en art ont commencé à chercher des programmes d’éducation artistique avec les techniques et les contextes du manga. Par exemple, Izumiya (2000) propose un test de compréhension visuelle comme première étape de la mise en œuvre de la technique du manga dans l’enseignement artistique secondaire. Le test consiste à dessiner des objets par mémoire afin de communiquer un sujet ou une situation commune à une deuxième personne. Le but de cette pratique est de faire comprendre aux élèves qu’ils ont tendance à ne pas prêter attention à ces sujets communs et que dessiner des sujets simples n’est pas si facile. Dans un deuxième temps, Izumiya recommande également de dessiner une situation commune dans la vie courante en utilisant les techniques de composition du manga telles que les gros plans et les vues distantes dans divers alignements de cadres sur une seule page. Izumiya recommande d’utiliser la grammaire visuelle du manga comme outil de communication visuelle pour encourager la littératie visuelle des enfants en éducation artistique.

D’une part, les techniques du manga donnent aux professeurs d’art l’occasion de soutenir le développement des habiletés de la pensée visuelle des élèves, comme l’observation, l’articulation et la pensée critique. En dessinant une scène de la vie ordinaire dans des cadres séquentiels, les élèves porteront attention à la vie et à la nature qui les entoure. Ces activités de manga rendent l’art plus significatif pour les élèves et leur donneront une chance de trouver leur identité en se dépeignant dans une histoire narrative. D’autre part, il est également vrai que l’adaptation du manga dans les programmes d’enseignement de l’art soulève des questions controversées de la part des mangaka (caricaturistes) et des enseignants en art eux-mêmes. Les mangaka et les éditeurs craignent que les jeunes ne se désintéressent du manga si celui-ci est enseigné par l’éducation artistique dans les écoles. La raison pour laquelle le manga est si populaire chez les jeunes est que le manga a une liberté contextuelle et expressive dans la narration en dehors de la contrainte de l’éducation artistique dans les écoles. En utilisant les techniques de l’éducation artistique comme outil de communication pour exprimer leurs pensées, les mangas peuvent ironiquement perdre leur attrait et leur qualité. Cet argument pourrait ne jamais être résolu (c’est le destin de l’adaptation de toute nouvelle méthodologie à un système scolaire). Néanmoins, la chose la plus importante pour l’éducation artistique est qu’il s’agit de la première tentative d’adapter les préférences des enfants dans les programmes d’éducation artistique et les enseignants commencent à considérer la valeur de la culture pop et les avantages et les inconvénients du manga. Les professeurs d’art au Japon ont commencé à réévaluer le rôle de l’éducation artistique pour encourager l’intérêt et la motivation des enfants pour l’art.

Conclusion

Les perturbations internes et externes entraînent une perte d’intérêt et de motivation pour la création artistique, surtout au milieu de leur développement artistique à l’adolescence. Malgré le fait que l’éducation artistique est développée dans la conviction que l’art est un outil de communication pour trouver son identité et la rendre significative pour vivre sa vie, il semble que cet objectif ne soit pas atteint.

Le rôle du professeur d’art n’est pas seulement d’enseigner les techniques de création artistique ou la valeur absolue de l’art en faisant ou en regardant l’art, mais plutôt d’attirer l’intérêt et la motivation des élèves à créer de l’art pour se retrouver à leur façon. En réfléchissant à ce qu’est l’œuvre d’art à travers le processus de création et de critique d’œuvres d’art, ils découvriront comment l’art a un sens pour eux dans leur vie. En d’autres termes, il est important de faire comprendre aux élèves à quel point l’art a un sens dans leur vie. Pour ce faire, nous devons introduire diverses façons de créer l’art en tant qu’expression de soi en incluant des valeurs diverses provenant de différentes cultures.

Cela peut être plus facile à dire qu’à faire, car les enseignants eux-mêmes ont souvent de la difficulté à mettre en œuvre le programme d’art approprié pour encourager les élèves à le rendre significatif pour eux. Dans l’enseignement secondaire en particulier, de nombreux enseignants ont du mal à faire face au déséquilibre entre la croissance physique et la croissance mentale des élèves. Leur capacité physique atteint presque le niveau des adultes, mais leur mentalité est encore en cours de développement. Par conséquent, nous avons tendance à apporter nos propres valeurs à l’art sans tenir compte des préférences et de l’esthétique artistique des élèves. Il est temps d’ouvrir les yeux sur ce qui se passe dans ce monde pour savoir quels sont les thèmes artistiques les plus attrayants pour les étudiants, même s’ils ne sont pas nécessairement les mêmes pour nous. S’il y a un phénomène pop-culturel qui commence à attirer les enfants, nous devrions apprendre les avantages et les inconvénients d’une culture pop particulière pour envisager la possibilité de l’appliquer à l’éducation artistique.

Le critique japonais de la culture pop Natsume dit :  » Quand nous apprenons quelque chose, nous avons besoin d’une force motrice, qui devrait être d’aimer quelque chose, de s’y intéresser et de s’amuser  » (1999, p.8).

Pour les élèves qui sont dans une telle période de perte d’intérêt et de motivation pour l’art, surtout au secondaire, nous devrions trouver quelque chose qui leur donne le pouvoir de motivation de l’apprentissage et qui leur permette de développer leur esprit critique. En utilisant le mécanisme du manga, il pourrait être possible d’aider les élèves à trouver leur propre identité à travers l’art narratif. Il est temps de réévaluer la culture pop pour motiver les élèves à créer leurs propres valeurs et identités en créant et en critiquant l’art.